d'Elena Lopez Riera  (Espagne 2022)

avec Luna Pamies, Barbara Lennie, Nieve de Medina 

musique Mandine Knoepfel

Présenté au festival de Cannes 2022 Quinzaine des Réalisateurs

C'est l'été dans un petit village du sud-est espagnol. Une tempête menace de faire déborder à nouveau la rivière qui le traverse. Une ancienne croyance populaire assure que certaines femmes sont prédestinées à disparaître à chaque nouvelle inondation, car elles ont « l'eau en elles ». Une bande de jeunes essaie de survivre à la lassitude de l’été, ils fument, dansent, se désirent. Dans cette atmosphère électrique, Ana et José vivent une histoire d'amour, jusqu'à ce que la tempête éclate...

Qu’un fleuve tombe amoureux d’une femme et l’emporte avec lui dans l’impétuosité de ses flots c’est ce que viennent confirmer face à l’écran ces femmes à intervalles réguliers : plan fixe, elles disent -et miment de leurs gestes- cette fougue dévastatrice et « amoureuse » ; une légende incarnée et comme ancrée dans le réel? paroles de femmes et images d’archives télévisuelles (l’inondation de1987) comme si le réel (nous sommes à Orihuela province de Murcie), allait à la rencontre d’un récit et simultanément comme si ce récit fictionnel devait être documenté.

Ana va incarner cette Eve nouvelle et qui sait ? se laisser dompter par le fleuve ou lui résister ? Fleuve Segura dont les colmatages de fortune (la préparation du plâtre par Jose et son père scelle aussi leur réconciliation) ne résistent pas à sa puissance destructrice (cf la dernière séquence)

El agua, l’eau, cet élément liquide dont on connaît toutes les connotations liées à la femme (légendes peuplées de sirènes de nymphes ; liquide amniotique;  l’eau à la fois purificatrice source de vie guérisseuse protectrice et destructrice, etc…). Entourée de sa mère et de sa grand-mère, donc comme en symbiose avec la tradition, le corps embrasé par la fougue amoureuse, Ana incarnerait les deux éléments eau et feu, tout en vénérant certaines idoles religieuses (Sainte Rita au grand dam de Jose son amoureux). Comme la plupart de ses amis (on rit on boit on fume on danse) elle désire « partir ». Partir serait aussi s’émanciper !

El Agua : une romance, le temps d’un été dans un village qui suinte l’ennui

El agua: une légende « charriée par un fleuve qui devient la métaphore d’une jeunesse en plein désarroi » interprétée par des acteurs pour la plupart non professionnels.

Hélas ce premier film n’est pas à la hauteur de ses ambitions : trop de thématiques abordées, ce qui surcharge le scénario   et/ou  accentue son  "manque de relance" ; et le mélange fiction, histoire sentimentale, réel revisité, légende, qui impose aussi de mixer différentes tonalités -réalisme naturalisme et fantastique amplifié par la bande-son-  fait que la mise en scène manque (trop) souvent d'originalité ! 

Dommage !

Colette Lallement-Duchoze

de Li Ruijun (Chine 2022)

avec Wu Renlin et Hai-Qing

Dans la campagne chinoise, province  de Gansu. C'est l'histoire d’un mariage arrangé, entre deux êtres méprisés par leurs familles. Entre eux, la timidité fait place à l’affection. Autour d’eux, la vie rurale se désagrège…

Quelle grâce dans la disgrâce ! Quel émerveillement dans la réappropriation de soi par soi ! Quelle humanité dans cet univers rural que des potentats locaux tentent de désagréger au profit de … ! Oui le retour des hirondelles (le titre français est plus poétique que la simple traduction du titre anglais  Retour à la poussière) ne peut que séduire. Le réalisateur ne verse jamais dans le misérabilisme (et pourtant, la rusticité d’un autre âge, la rudesse du labeur avec des moyens rudimentaires, s’y prêtaient) ni la violence (et pourtant elle est bien prégnante dans l’exploitation des faibles, dans leur vampirisation dont le « don du sang » serait la « métonymie », elle est tangible dans le comportement des propriétaires usuriers, dans les dépossessions successives auxquelles est soumis le couple !!)

Nous assistons au triomphe de l’humain -par-delà l’injustice liminaire et les tourmentes, avant que les dunes de sable n’enfouissent l’âpreté du réel dans leur tombeau. Un film irrigué par des forces contradictoires, et par une tendresse qui n’exclut pas l’indignation, car le réalisateur propose -pour ne pas dire  "impose "- une vision très inquiète -pour ne pas dire "désespérée"  du monde paysan (on comprend pourquoi le film a été « censuré », tant il va à l’encontre du discours politique qui prône la « fin de la pauvreté absolue »,  mais aussi parce qu’il démontre qu’un « damné » de la terre préfère le contact avec la nature  au  croupissement dans les « clapiers » modernes de la ville)

Voici un couple d’éclopés, de « parias ». Un mariage « arrangé ». Lui c’est Ma Youtie (Wu Renlin ) surnommé frère Quatre par les villageois moqueurs de la province de Gansu. « Vieux célibataire », il est contraint d’épouser Cao Guiying (Hai -Qing), une femme handicapée et incontinente, suite aux maltraitances infligées par sa famille! . Qu’à cela ne tienne ! le couple va se  "construire" tout comme se "construit" leur  maison, alors que démolitions et déconstructions sont programmées. La caméra les suit dans leur quotidien. Dans leur intimité -pudeur tendresse en lieu et place de contact charnel ; l’œil de l’objectif est devenu caresse, une caresse comparable à celle que prodigue le couple sur l’encolure de l’âne. En extérieur surtout, dans tous les travaux  " agricoles" - retourner la terre, semer, récolter, etc. Rudesse du labeur dans des espaces arides sublimés grâce à la composition des plans (d’abord cadres dans les cadres puis élargissement en harmonie avec l'indéniable somptuosité de l'environnement) , le choix des couleurs (avec la dominante verte et ocre, ocre qui s’en vient contaminer la carnation des visages) et les effets de lumière (selon les moments de la journée ou les saisons).

Le réalisateur originaire de la région de Gansu (au sud de la Mongolie) aura assisté (et il nous aura entraîné dans son sillage) à une douloureuse destruction de la culture ancestrale, de cette osmose entre paysans et nature -incarnée par un couple de « parias » humble et aimant, déroutant de beauté fruste,  un couple bouleversant, tout simplement ! 

Colette Lallement-Duchoze

Extraits du dépliant   "ARP et GNCR présentent" (ARP= auteurs réalisateurs producteurs; GNCR = groupement national des cinémas de recherche)

"Le titre chinois du film signifie "caché dans le pays des cendres et de la fumée". Cela signifie que les époques passées les vies passées n'ont pas disparu. Elles sont tout simplement enfouies dans les cendres. Ce que nous ne voyons plus ne cesse pas pour autant d'exister"  

Je retourne toujours filmer la terre où je suis né. Les deux héros de mon film viennent d'une campagne que les habitants ont désertée. Ils ont tous pris le train pour la ville. Mes deux protagonistes ont raté ce train"

"nous avons tourné le film au rythme des saisons, en suivant le cycle des cultures et des migrations d'oiseaux. Avec l'aide de l'acteur principal Wu Renlin, qui est mon oncle, de son fils qui joue le second neveu, ainsi que de mon frère et de mon père, nous avons construit la ferme et fait pousser les cultures jusqu'à leur moisson. Nous avons travaillé comme des paysans et consacré notre temps à la terre comme les héros du film. Nous avons tourné durant 85 jours de mars à octobre 2020. La pandémie a mis à mal notre production...

de T Strugar Mitevska (2022 Bosnie Croatie) 

avec Jelena Kordic Kuret, Adnan Omerovic Labina Mitevska Ana Kostovska  Senjia Marinkovic, Izudin Bajrovic

Sarajevo, de nos jours. Asja, 40 ans, célibataire, s'est inscrite à une journée de speed dating pour faire de nouvelles rencontres. On lui présente Zoran, un banquier de son âge. Mais Zoran ne cherche pas l'amour, il cherche le pardon....

Des hôtesses en robe  "panthère", des chemises roses et des étiquettes nominatives pour les "candidats à l’amour" des jeux dits de « socialisation », tel est le rituel auquel Asja doit se soumettre, après son inscription au speed dating. Le décor ? un hôtel de style  "brutaliste"  celui qui avait triomphé après la Seconde Guerre mondiale.

Une mise en scène forcément "complexe": "diriger" tant de personnes, dans un huis clos, implique de changer d’angles de vue, de rythme, de cadrages, d'alterner duos et scènes de groupe, allers et retours -wc/ salle, salle conférence/salle à manger ; et hors de la salle voici tel une acmé. Asja filmée en plongée, danser avec frénésie au milieu d’un groupe de jeunes, avant que l’organisateur ne lui fasse comprendre qu’elle "n’est pas à sa place"  -elle était censée "retrouver" ses 17 ans, cet âge d'avant la "catastrophe" !!

Ambiance "joyeuse" bon enfant ? Légèreté de bon aloi -celle de la bonne humeur qui baptisera voire scellera les « nouvelles » rencontres ; légèreté que la réalisatrice saura faire voler en éclats avec un sens de la dramaturgie ; car dans ce huis clos, (une unité de lieu qui se conjugue avec les deux autres unités de temps et d’action) nous allons suivre les différents étapes comme autant de chemins vers les révélations, comme autant de cercles concentriques, pour que soit rendue palpable cette double cicatrice : celle d’une blessure -qui lacère le dos de l’ex victime-, celle d’un tourment intérieur qui hante la conscience de l’ex bourreau. Et la comédie vire au drame ! une question reste en suspens après la « démolition" (sorte de table rase) par Asja d’un équilibre précaire, le pardon est-il possible  30 ans après les faits ?

Certains "indices" avaient "alerté"  le spectateur : ce très gros plan sur une nuque que des mains croisées triturent et quand le plan s’ élargit nous voici avec cet homme au dernier étage d’un immeuble comme si nous étions happé avec lui par le vide ; -en fait il regardait la silhouette d’une femme en jupe verte traversant un chantier, et nous allons emboîter le pas de cette femme filmée de dos  (deux  ou trois métonymies, deux ou trois fragments -la nuque le dos et les jambes- pour un tout ???) ; voici des excavations -vues en plongée- pour signaler la "reconstruction"  d’une ville, comme celle d'une population ? en contre plongée un cimetière témoin douloureux d’un passé relativement récent! 

Passé/présent, une ambivalence qui est aussi la dynamique de ce film traversé et comme irrigué par des "forces" antagonistes -individu/collectif, réparation/pardon, mémoire/oubli. Oui la ville de Sarajevo est toujours hantée par son siège ; oui la Serbie la Bosnie la Slovénie la Croatie sont toujours hantées par la guerre et ses traumatismes. Sont-ils indélébiles ? Oui. Peuvent-ils, ces traumatismes,  cohabiter avec une forme d’apaisement -voire de réconciliation ? Oui peut-être. Dire et pardonner serait-ce la "leçon" de ce film (ce qu'illustreraient  la superposition des deux  "confessions" puis l'étreinte des deux corps)

Ce film au titre ironique , et dont le huis clos serait comme le microcosme d'un pays, est  servi par l’admirable interprétation des deux acteurs principaux : Adnan Omerovic (Zoran, un anti-héros qui porte les stigmates de la douleur et de l’attente angoissée) Jelena Kordic Kuret (Asja décontenancée par les révélations de son compagnon de "jeu"  mais toujours "combative" !)

Un film qui s’inspire du vécu -ô combien hallucinant !- de la co-scénariste de Teona Strugar Mitevska

Un film que je vous recommande -malgré quelques bémols (cf. les plans trop insistants sur les jambes le dos les pieds d’Asja -quelles qu'en soient les connotations-,  la couleur verte comme filtrée qui au début contamine le décor)

Colette Lallement-Duchoze

Documentaire  réalisé par  Delphine Seyrig  (1977  sortie 1981 Version restaurée sortie 2022) 

avec Jenny Agutter : Juliet Berto :  Ellen Burstyn :Candy  Clark :  Jill Clayburgh : Patti D'Arbanville :  R. de Gregorio : Marie Dubois  Louise Fletcher :  Jane Fonda : Luce Guilbeault : Shirley MacLaine :  Mallory Millet-Jones :  Maidie Norman : Millie Perkins  Rita Renoir : Delia Salvi :  Maria Schneider :  Barbara Steele :  Susan Tyrrell : Viva :Anne Wiazemsky : Cindy Williams

Delphine Seyrig s'entretient avec vingt-quatre actrices françaises et américaines sur leurs expériences professionnelles en tant que femmes, leurs rôles et leurs rapports avec les metteurs en scène, les réalisateurs et les équipes techniques. Bilan collectif plutôt négatif en 1976 sur une profession qui ne permet que des rôles stéréotypés et aliénants

Elle est et restera hors champ , elle filme en frontal, longs plans fixes sur les visages de ces actrices, actrices qui -sans se rencontrer-, sans se concerter- disent toutes leur écœurement, face aux injustices et aux discriminations sexistes dans le monde du cinéma ; et c'est là que prend forme  un discours éminemment "politique". Pour le faire advenir dans toute sa puissance Delphine Seyrig a refusé toute fioriture, tout mouvement de caméra, toute plongée dans l'environnement "la parole rien que la parole et un visage " démultiplié" .

Contrairement  à   Carole Roussopoulos qui aurait aimé filmer des maisons, par exemple   ou faire virevolter une caméra , Delphine Seyrig  est restée intransigeante  “non, je veux qu’on cadre le visage de ces femmes, en plan fixe”.  On donne pour la première fois la parole à des femmes qui ne l’ont jamais eue auparavant, on doit avoir les meilleures conditions pour se concentrer sur leurs propos. Pas de distractions.” 

Un cadrage rigoureux donc !  un cadrage pour l'émergence du verbe refoulé 

"sois belle et tais-toi"  un   titre explicitement machiste  que le film/documentaire  fait voler en éclats

Vous allez entendre des  "Paroles d'actrices, des  paroles de femmes "  c'était en  1976  !!!!

.L’objectif est simple : déceler et abattre les clichés pour tenter de réduire cette domination. Ne serait-il pas l'ébauche du test de Bechdel ? Line Peyron Productrice

Colette Lallement-Duchoze

de David Depesseville (2022)

avec Mirko Giannini, Jehnny Beth, Bastien Bouillon, Théo Costa Marini, Lorine Delin, Lisa Hérédia, Paul Blain, Nathaël Bertrand

Festival Premiers Plans Angers 2022, Festival de Locarno 2022, Festival Auch Ciné 32 - 2022, Festival International du film la Roche sur Yon - 2022, Festival International film Marrackech - 2022, Semana Internacional de cine de Valladolid 2022

Samuel est un orphelin de douze ans à l'allure sauvage. ll est placé depuis quelques semaines dans le Morvan chez Marie, Clément et leurs deux garçons. Samuel s'émancipe, découvre les sensations et les troubles de son âge mais, très vite, il doit aussi faire face aux secrets de cette nouvelle famille. Jusqu'à ce que, un jour, tout se transfigure

Ne vous fiez pas trop au synopsis

Ce premier long métrage -certes chronique d’une enfance blessée- adopte en permanence le point de vue de l’enfant (ni flashback ni explication); un enfant qui préserve son intériorité, tapie au fond de lui -et comme remisée à jamais, à l’instar du « secret » planqué sous une brique  du plancher  (?) ; un enfant dont les pouvoirs supra sensoriels (apanage du devin) vont éclater sous forme de cauchemars ou s’illustrer dans les surprenantes (et somptueuses)  dernières minutes où la musique de Bach accompagne la succession rapide de ses images mentales mêlées à celles qui résument l’ensemble du film.

On est loin des films naturalistes sur l’enfance   "nue"  même si le corps est la cible de tous les dangers (sévices, punitions, abus) et qu’il en porte les stigmates. Les séances de gym (trapèze) seront comme des "parenthèses enchantées"  (propos du réalisateur, lors de la rencontre à l’issue de la projection à Angers, Festival premiers plans)

David Depesseville ·affirme vouloir Montrer par creux à la manière de Michaux dans « connaissances par les gouffres"; il opte pour l’ellipse, la juxtaposition, les effets spéculaires laissant ainsi le spectateur emplir les interstices (pour exemples : le lait qui bout, la neige, l’hostie, les aubes des jeunes communiants ; la prière à la Vierge et celle dédiée à l’autre Marie la mère « adoptive nourricière » l'alma mater; l’agneau porté avec amour par Marie, telle la pietà et l’agneau mort-né, l’astrakan, titre donné au film -un titre qui doit illustrer  l’enfance sacrifiée, le côté « mouton noir » de Samuel et une certaine tactilité – la caméra se pose telle une caresse « je voulais quelque chose qui soit proche du toucher »

Une vision fragmentaire donc : à nous de reconstituer une sorte de puzzle à travers ces tableautins qui nous conduisent de la maison des parents adoptifs, et de la chambre en particulier à celle de la voisine, de la maison de l’oncle (la porte que l’on ferme sur les non-dits de la pédophilie)  à celle des grands-parents, de  l’église  à la rivière, à la salle de sport, etc.. A chaque lieu s’accroche un pan de la vie de Samuel:  lambeaux de souffrances,  émotions ressenties.

Comme dans le film de Pialat (l’enfance nue 1968) les parents adoptifs revendiquent une impérieuse nécessité financière (on les paye pour prendre en charge ces enfants délaissés par les parents géniteurs ou ces orphelins) et sont tiraillés (du moins le prétendent-ils) entre l’évidence (c’est un gamin « insupportable ») et une approche plus clémente (Clément travaillera plus pour « payer » des vacances de neige à Samuel); mais David Depesseville  dans Astrakan, dénonce en outre  la pédophilie (incarnée par Luc le frère de Marie) qu’il aborde moins frontalement (d’ailleurs on peut se demander si les adultes ne sont pas complices….par leur silence) que par d’efficaces et douloureuses suggestions : les séquelles que l’on devine sur le visage apeuré du petit frère et les  "refus" réitérés de Samuel,  vecteurs de son mutisme désarmant !

Un film âpre et délicat, doux et violent tout à la fois,

un film sobre et parfois plus grandiloquent (cf le final musical)

Un film que je vous recommande

Colette Lallement-Duchoze

Attention : une seule séance par jour pour la semaine du 15 au  21 février  (consulter les horaires)