d'Arnaud des Pallières (2023)

Avec  Mélanie Thierry, Josiane Balasko, Marina Foïs, Carole Bouquet, Yolande Moreau, Dominique Frot, Elina Lowensöhn Solène Rigot, Miss Mong 

Festival Deauville 2023 Sélection officielle Fenêtre sur le cinéma français

Argument: Paris 1894. Qui est Fanni qui prétend s'être laissée enfermer volontairement à l'Hôpital de la Salpêtrière?  Cherchant sa mère parmi la multitude de femmes convaincues de "folie" elle découvre une réalité de l'asile tout autre que ce qu'elle imaginait ainsi que l'amitié inattendue de compagnes d'infortune. Le dernier grand bal de la Salpêtrière (dit "le bal des Folles") se prépare; politiques artistes mondains s'y presseront; dernier espoir d'échapper au piège qui se referme....

Si vous vous rappelez Adieu (2004) et son générique -un film à part entière, (atelier de montage d’un camion qui par métaphore devient le ventre de la baleine qui engloutira Jonas…) vous ne serez nullement surpris  par la façon de filmer du cinéaste qui s’impose dès le début… Zooms et fragmentations. De  très gros plans à l’intérieur d’une carriole sur des détails avant que n’apparaisse sanglée la nouvelle " pensionnaire";  et après le franchissement du " grillage"  voici comme au ralenti un déshabillage, une fouille telle une défloraison  (le titre du film vaut pour toutes ses dénotations et connotations) .Fanni la bourgeoise désormais captive d'un monde sans pitié ...

Une façon de filmer   qui, par la démesure (le zoom) sublime l’intime…, de la peau surtout : voyez cette perle qui suinte d’un œil, ce duvet qui caresse la peau, cette denture d’outrages, ces doigts "énormes"  qui cisèlent la dentelle, cette commissure des lèvres qui se rétracte ou s’affaisse. Mais aussi des plans très serrés -sur le groupe- caméra à l’épaule, plans  qui se succèdent , (en alternance avec les premiers) dans le huis clos censé guérir la Folie (mais on ne naît pas folle on le devient au contact précisément de ceux qui prétendent prendre en charge les femmes soupçonnées d'hystérie …) La Salpêtrière !  où en cette fin du XIX° siècle des rebelles, des  pauvres, des  marginales étaient recluses, jusqu’à épuisement. C’est dans cet univers reconstitué que nous plonge le cinéaste (avec une prédilection pour le flamboiement les couleurs chaudes la lumière qui contrastent avec la noirceur des traitements infligés)

Un enchevêtrement de plusieurs « intrigues » incarnée chacune par une femme : Fanni (formidable Mélanie Thierry) est censée retrouver sa mère internée depuis plus de 20 ans (trame narrative principale),  Bobotte l’intendante (impressionnante Josiane Balasko) doit recevoir une décoration lors du bal annuel dit « bal des folles » auquel assisteront politiques et autres représentants de la jet set, Hersilie Rouÿ (étonnante Carole Bouquet) internée d’office par ses frères, elle doit apprendre la quadrille aux « pensionnaires » et en même temps elle rédige ses « mémoires » ;et si l’on ajoute les « micro fictions» : la Douane qui terrorise (décidément Marina Foïs excelle dans tous les rôles) la prostituée (Dominique Frot) et ses imprécations, ses incantations, alors que Camomille (Yolande Moreau) s’épanouit dans et par le rêve… voilà au final un maillage dense et  fluide à la fois,  dans un film d’époque avec  costumes certes, mais surtout très, très charnel et dont les thématiques (psychiatrie, violences faites aux femmes) sont d’une brûlante actualité

Avec toutefois le risque de l’enlisement !!!!….

Mention toute particulière à Mélanie Thierry

Un film que je vous recommande!

Colette Lallement-Duchoze

 …

De Quentin Dupieux (2023)

avec Anaïs Demoustier : Judith, la journaliste Édouard Baer : Salvador Dalí Jonathan Cohen : Salvador Dalí Gilles Lellouche : Salvador Dalí Pio Marmaï : Salvador Dalí Didier Flamand : Salvador Dalí âgé Romain Duris : Jérôme, le producteur Agnès Hurstel : Lucie, l'assistante Marie Bunel : l'acheteuse du tableau Nicolas Carpentier : le commissaire-priseur Jérôme Niel : le modèle à la canne Marc Fraize : le modèle au mouchoir  Hakim Jemili :Jean-Marie Winling : le journaliste Tom Dingler : François Laurent Nicolas

Thomas Bangalter compositeur  

Projeté à Venise  hors compétition 

Présenté en avant-première dans le cadre Festival Cinéma Télérama (Omnia dimanche 21/01/2024)

Sortie en  salles  le 7 février 2024

Une journaliste française rencontre Salvador Dali à plusieurs reprises pour un projet de documentaire...

Un  plan fixe prolongé sur un piano à queue en plein air,  avec son tuyau d'arrosage son arbuste et sa sculpture ( à la Chirico? à la Magritte?) Bienvenue dans l'univers pictural de Dali et sa  Fontaine nécrophilique coulant d'un piano à queue . Le  même plan en écho au final (ou presque car  il y aura plusieurs fins,  comme dans certains films de Buñuel ). Entre les deux une immersion dans l'univers mental du peintre ! 

Surréaliste  la tonalité d'ensemble ? Certes, à  condition  que le terme ne soit pas pris au sens strict  d'"automatisme psychique" que lui donnait André Breton ... Surréalisme des décors (maison reconstituée au bord de la Méditerranée) des situations des dialogues, mélange rêve et réel. Quentin Dupieux multiplie en outre les "effets" gigogne comme un déploiement ad infinitum et ad libitum de mises en abyme, avec reprises comiques et facétieuses; un  procédé d'emboîtements qui rappelle sans conteste Buñuel . Confier l'interprétation à plusieurs acteurs (cf les "a" du titre)  ne relève-t-il pas de la perturbation du  "fameux principe d'identité"  (contre identité, subversion du sujet) plus que de la volonté d'illustrer les multiples  facettes du peintre? . Et la vision  récurrente de Dali en vieillard infirme ne serait-elle pas l'équivalent des cadavres exquis si chers aux surréalistes? 

Omniprésentes donc (quel que soit l'interprète) l'extravagance l'arrogance et la mégalomanie du peintre et penseur. Avec les "célèbres accessoires" -moustache torsadée en 10h10,  manteau pelisse, canne, Rolls Royce, deux cadrans,  montres molles; avec aussi et surtout dans la diction ce roulement outrancier des "r" et un débit assez lent (marteler certains phonèmes, les étirer tout comme les 6 "a" du titre) . A noter que les prestations d'Edouard Baer et Jonathan  Cohen sont de loin les plus convaincantes... 

La première séquence où la journaliste, et son précieux calepin, attend fébrile le "Génie" qu'elle doit interviewer restera dans les annales:  avec cet effet au montage d'un couloir d'hôtel qui n'en finit pas de finir ....De même le rêve raconté par le prêtre n'en finirait pas de finir ...s'il n'était relayé par son "interprétation picturale" signée Dali et recopiée ad nauseam...(si le cinéaste épingle le marché de l'art, il se moque aussi du snobisme de  clients fortunés)

Prolifique Quentin Dupieux l'est assurément (Yannick sorti en 2023  suivait de peu Fumer fait tousser) tout comme Dali était ...prolixe.

Il est  peut-être "entré en connexion avec la conscience cosmique de Dali" mais son "faux" biopic certes hyper référencé, divertissant, parfois hilarant n'en laisse(ra) pas moins une impression mitigée  (essoufflement, attentes déçues...)

Je vous laisse juge

Colette Lallement-Duchoze

De  Sofia Exarchou (Grèce 2023)

Avec Dimitra Vlagopoulou (Kalia) Flomaria Papadaki (Eva ) Danai Petropoulea   (Mary) Ahilleas Hariskos (Simos) Chronis Barbarian (Thomas) Ilias Hatzigeorgiou (Vladimir)

Festival de Locarno 2023  Prix d'interprétation féminine ( Dimitra Vlagopoulou) 

Sur une île grecque, les animateurs d’un hôtel all-inclusive menés par la charismatique Kalia se préparent pour la saison. Décors en carton-pâte, costumes pailletés et spectacles de danse envahissent la scène. À mesure que l’été avance, la pression augmente, les nuits s’enchaînent, et les démons de Kalia se réveillent. Lorsque les projecteurs s’allument, the show must go on

Je voulais surtout parler de ceux qui connaissent la précarité la noirceur la fatigue induites par ces conditions de travail. Pour moi, Animal devait être une allégorie pour n’importe quel secteur d’activité

De très gros plans sur une partie du corps de femme (en plein exercice physique), sur des poissons dans un aquarium, sur des grillages puis le plan s’élargit sur une plage de sable gris. Début assez déroutant, certes, mais qui "encode" le film

Voici les coulisses où œuvrent telles des bêtes de cirque de « gentils organisateurs » Bienvenue dans le grand cirque divertissant du capitalisme. Autopsie d'un "mécanisme" (qui fleure parfois le documentaire) et analyse d’une usure (corps et esprit) à travers le parcours de la charismatique Kalia, telles seront les deux forces de la dynamique interne (encore que la réalisatrice privilégie les ambiances à une structure narrative élaborée)

D’une part, rendre palpable le tourisme de masse (très rentable en Grèce) en disséquer tenants et aboutissants (avec cette opposition pertinente entre des touristes aux moyens financiers modestes réduits au statut de « figurants » et l’énergie requise des « animateurs » des forçats que l’on sollicite et de jour et de nuit, à l’intérieur de l’hôtel ou sur le sable !!! Une énergie que Sofia Exarchou filme au plus près, exaltant le corps. Corps en lévitation, corps caressé des effluves de la sudation, corps où ruisselle l’eau de la douche, corps pénétré de sable et de sexe ; mais aussi corps « stigmatisé » (cf.la blessure au genou de Kalia)

D’autre part la réalisatrice va focaliser le récit sur un trio féminin Katia Eva et la gamine Mary. Katia animatrice/danseuse/chanteuse, la "cheffe"  transmet à Eva la jeune polonaise de 18 ans, les directives pour perpétuer ce "commerce"  Mary (fille d’un animateur) vit déjà au rythme effréné des aînés et l'apprentissage sous les projecteurs s’impose presque « naturellement ». Mais ne serait-ce pas la même personne (Kalia) à des âges différents, à trois moments d’une vie ? Quoi qu’il en soit, trio ou non, il fonctionne à l’intérieur d’un groupe qui insuffle l’énergie, galvanise suscite les fous rires au moment des répétitions ou après les shows.… Un corps soudé bienveillant et ….conscient de sa précarité ???

Une vision pessimiste avec ses nuits qui ne cessent d’empiéter sur les jours, avec ses tubes d’une autre époque (dont Yes Sir, I Can Boogie et Felicita)

Animal est sans conteste une dénonciation au rythme souvent trépidant (caméra portée qui virevolte) où l’alcool, le sexe seraient les moyens de contourner (même provisoirement) la mélancolie de ces forçats du divertissement ?

Tels les poissons du début qui enfermés dans l’aquarium contemplaient la mer, la mer toujours recommencée, les GO d’Animal contemplent un « rêve » que jamais cette industrie ne pourra concrétiser. « je ne rêve pas. Rien » avouera, désenchantée, Katia !

Malgré quelques longueurs (le film aurait gagné à être plus court…) Animal est un film que je vous recommande ! 

Colette Lallement-Duchoze

de Satajit Ray (Inde 1955)

avec Subir Bannerjee (Apu Roy), Kanu Bannerjee (Harihar "Hori" Roy), Karuna Bannerjee (Sarbajaya Roy), Uma Das Gupta (Durga), Chunibala Devi (Indir Thakrun), Runki Banerjee (La petite Durga), Tulsi Chakraborty (Prasanna, l'instituteur), Binoy Mukherjee (Baidyanath Majumdar).

musique Ravi Shankar

chef opérateur Subrata Mitra 

Festival de Cannes 1956: prix du "document humain"

La vie d'une famille indienne pauvre, dans un village du Bengale, au début du vingtième siècle. Le père occupe la fonction de brahmane (prêtre) alors que Durga et sa mère travaillent au champ. Naît un second enfant, Apu, un petit garçon. Durga, commet de petits larcins pour améliorer le quotidien. Apu grandit et le père décide de partir travailler à la ville en espérant gagner plus d'argent. C'est désormais la mère, seule, qui doit faire vivre la famille.

Un coin perdu comme oublié, une maison ancestrale délabrée, une cour intérieure lieu de toutes les activités et des palabres ; c’est là que vit une famille dont le père (brahmane) est souvent absent. Famille que le cinéaste (dont c’est le premier long métrage) filme au plus près (à la manière du néo réalisme italien et dans la mouvance de Renoir). Il fait se succéder des scènes comme autant de tableaux d‘un théâtre de la vie dont le tempo est scandé par les allers retours du père et dont le passage d’une scène à l’autre ou d’un acte à l’autre se fond dans l’écran noir. Et pour les 2/3 il adopte le point de vue de l’enfant Apu.  Enfant dont la sœur (émancipée de certaines contraintes) servira de « modèle » dans un  monde miséreux misérable mais traité sans « misérabilisme » ; voyez ces gestes dont le prosaïsme est magnifié, (brossage de cheveux )  gestes de survie (l’eau les préparations culinaires les repas)   sinon sacralisés du moins ritualisés dans une belle liturgie 

La présence de la vieille Indir aussi décharnée que l’intrigue est minimaliste, pliée en deux, et dont le visage, édenté,  parcheminé s’impose en gros plan à l’écran, illustre  le problème de l’entraide des humains dans la précarité, ainsi que la survivance des croyances animistes ancestrales. Plus d’une fois la mère la chasse du logis (car les larcins répétés de sa fille  Durga -dont celui de fruits destinés à l’aïeule provoquent des réactions indignées et ulcèrent une mère soucieuse de sauvegarder son amour-propre, son honneur). Cette « tata » sait capter l’attention des enfants en leur racontant des histoires de même qu’en sentant sa mort prochaine elle psalmodie une complainte en s’adressant directement au passeur "Le crépuscule de ma vie est venu. Je vous attends, ô passeur qui devez me conduire sur l'autre rive. Vous êtes bon et n'abandonnerez pas le pauvre parmi les pauvres..."

Le cinéaste fait alterner vastes étendues extérieures, plaine forêt (que le frère et la sœur, pieds nus, parcourent en courant ) paysages personnages à part entière et séquences à l’intérieur de la maison ancestrale.

Un quotidien dont l'immuable recommencement sera provisoirement brisé par les préparatifs de mariage d’une jeune voisine et par le festival de théâtre t. Bien plus,  alertés par un sifflement jusque-là inconnu,  les deux enfants assistent au passage d’un train…Un train et ses connotations  de fuite , d'évasion !!

Et la musique discrète ou expressive, mais si envoûtante de Ravi Shankar  (il  joue autant du sitar que de la flûte de bambou) ! 

Autant de raisons pour ne pas rater ce film, premier volet de la trilogie d'Apu

Colette Lallement-Duchoze

PS En 1956 Truffaut aurait dit « je ne veux pas voir un film avec des paysans qui mangent avec leurs mains"....

de Hirokazu Kore-Eda  (Japon 2023)

avec Sakura Andô (Saori) Soya Kurokawa (Minato) Eita Nagayama (Hori)

Queer Palm et Prix du Scénario Festival de Cannes 2023

Film dédié au pianiste Ryuichi Sakamoto, ( décédé en mars 2023 

Argument: Le comportement du jeune Minato est de plus en plus préoccupant. Sa mère, qui l’élève seule depuis la mort de son époux, décide de confronter l’équipe éducative de l’école de son fils. Tout semble désigner le professeur de Minato comme responsable des problèmes rencontrés par le jeune garçon. Mais au fur et à mesure que l’histoire se déroule à travers les yeux de la mère, du professeur et de l’enfant, la vérité se révèle bien plus complexe et nuancée que ce que chacun avait anticipé au départ...

Moins un film à plusieurs voix qu’un film puzzle, à énigmes. Là où le film de Kurosawa Rashômon (1950) (auquel on compare inévitablement L’innocence à cause de la structure fragmentée en chapitres)  montre les « mêmes événements vus sous des angles différents », celui de Hirokazu Kore-Eda va « dévoiler le hors champ du témoignage précédent » Le spectateur ainsi placé au cœur d’un « drame » social familial, est amené à découvrir ce qui se cache derrière la « monstruosité », (cerveau de porc ? harcèlement ?) et il peut éprouver de l’hostilité envers le corps enseignant éducatif - en adoptant le point de vue de la mère – puis de la « sympathie » (sens étymologie) pour le prof d’abord incriminé avant d’être immergé dans le monde de l’enfance, avec ses vertes lumières qui vont calmer les douleurs stigmatisantes de l’amour naissant....

L’innocence ou la remise en cause de nos certitudes ? Une remise en cause en trois « temps » soit trois chapitres ponctués par le plan récurrent sur l’immeuble en flammes. Un embrasement prélude à…Un embrasement et toutes ses connotations !!!

Chemins de traverse fausses pistes c’est bien la construction progressive d’un puzzle qui s’impose à l’écran. Dans un contexte social et sociétal  précis (lieux de travail, d’habitation, idéologie dispensée) Avec ses huis clos (l’appartement où vivent mère et fils, le collège avec ses escaliers ses salles de cours et de discussion, ses vitres ses w-c comme autant de cloisonnements ); avec ses changements de cadre (quand la mère sera précisément en  dehors aux moments les plus douloureux ou que le professeur « accusé » et contraint de battre sa coulpe… est tenté par le vide) et surtout avec cette envolée à la fois poétique et solennelle vers la lumière…quand un wagon d’un autre âge, customisé et enguirlandé, abrite l’innocence.

Et le tremblement de  terre  n’a-t-il pas son équivalent dans le séisme intérieur qui ébranle chaque personnage et plus particulièrement les deux garçons ?

En fait L’innocence (sens étymologie « ce qui ne nuit pas ») est de l’aveu même du cinéaste plus une quête de justice que de vérité Le fait de vouloir revendiquer à tout prix qu'une chose est juste peut constituer un acte de violence pour d'autres personnes. C'est plutôt ce mécanisme qui m'intéressait Et le titre original Kaibutsu, (qu’on peut traduire par « monstre ») serait plus éloquent 

Un film à voir ! c’est une évidence !

Colette Lallement-Duchoze