de Quentin Dupieux (France 2022)

avec Raphaël Quenard, Pio Marmaï, Blanche Gardin

En pleine représentation de la pièce "Le Cocu", un très mauvais boulevard, Yannick se lève et interrompt soudainement le spectacle pour reprendre la soirée en main...

Foin de l’absurde ou du fantastique (pneu serial killer et psychopathe « Rubber, » faux film d’anticipation « fumer fait tousser », rêve d’immortalité « incroyable mais vrai ») la seule incongruité (et encore!!) dans Yannick étant l’intervention intempestive d’un spectateur lors d’une représentation théâtrale.

Voici un lieu, un huis clos : une salle de théâtre, sa scène « éclairée » vue en contreplongée par le public dans l’obscurité (unité de lieu). Un renversement de perspective et d’éclairage avant une « étrange » fusion (unité d’action avec les « fameux » rebondissements liés  ici aux  "jeux de masques" ); un troisième "espace", le dehors où rode, sournois,  le réel répressif jouera  le rôle de final avant que l’écran noir n’impose le silence du non-dit -(Ne pas spoiler).

A la fin de Au poste un rideau s’ouvre, se ferme. Surprise : on venait d’assister à une comédie foutraque puis  on accompagnait  les acteurs au restaurant en train d'éplucher  les critiques. du Figarock... Esquissée, déjà plus prégnante dans le Daim -où Georges se révèle piètre réalisateur apprenant son métier- sur le tas , la thématique relation et dépendance auteur/public, est ici plus amplement développée. Mais surtout Yannick nous interroge sur la pertinence de l’art dans la vie d’un être  "lambda" (et invisible), sur l’arrogance de ces fieffés acteurs (dont Pio Marmaï exploite avec verve toutes les facettes insoupçonnées). C’est en cela que le dernier film de Quentin Dupieux est très   "captivant"  (et ce, dans toutes les acceptions de ce terme) quoi qu’en disent et pensent certains spectateurs !!!!!

Reprenons : un spectateur outré par la médiocrité de la pièce, se sent floué (veilleur de nuit à Melun, il a profité de son jour de congé, pour assister après 45 minutes de transport en commun et 15 minutes à pied, à une "comédie divertissante".) Résultat ? auteur, acteurs, système l’ont  "cocufié" . On le sommerait de pactiser avec la nullité ? il risque en outre d’être encore plus angoissé…alors qu’il était venu  se  "divertir" (sens pascalien) Qu’à cela ne tienne ! Il décide de tout (re)prendre en main (armée) et à zéro (quitte à ce que le temps, l’attente ne deviennent personnages).

Venez découvrir les subtilités qu’exige l’élaboration d’un texte, les nuances des jeux d’acteurs (Pio Marmaï  « adaptant» sa diction et sa présence à toutes les « circonstances », par exemple)

Laissez-vous emporter par la performance époustouflante (sens propre) de Raphael Quenard / Yannick : qu’il soit apprenti dramaturge, contestataire bon enfant, soumis aux diktats éhontés de l’acteur lors d’un renversement de situation, attendrissant ou inquiétant, son phrasé son regard sa gestuelle,  tout chez lui -qui résonne juste- est au service d’un discours beaucoup plus politique qu’il n’y paraît….

Ne serait-ce pas  la surprise de ce film ?

Colette Lallement-Duchoze

de Christopher Nolan (USA 2022)

avec Cillian Murphy, Emily Blunt, Matt Damon, Robert Downey, Kenneth Branagh, Casey Affleck, Florence Pugh

En 1942, convaincus que l’Allemagne nazie est en train de développer une arme nucléaire, les États-Unis initient, dans le plus grand secret, le "Projet Manhattan" destiné à mettre au point la première bombe atomique de l’histoire. Pour piloter ce dispositif, le gouvernement engage J. Robert Oppenheimer, brillant physicien, qui sera bientôt surnommé "le père de la bombe atomique". C’est dans le laboratoire ultra-secret de Los Alamos, au cœur du désert du Nouveau-Mexique, que le scientifique et son équipe mettent au point une arme révolutionnaire dont les conséquences, vertigineuses, continuent de peser sur le monde actuel

Adapté du livre "Robert Oppenheimer - Triomphe et tragédie d'un génie" de Kai Bird et Martin J. Sherwin, le film de Christopher Nolan s’intéresse surtout à l’implosion intérieure du personnage (que Cillian Murphy au regard d’acier et aux gestes chorégraphiés incarne avec maestria).

Trois temporalités se chevauchent pour rendre compte de ce choix :  l’ascension d’Oppenheimer de Cambridge à Los Alamos, l’audition de sécurité en 1954 et l'audition parlementaire de Strauss en 1959 Trois temporalités traitées en noir et blanc ou en couleurs -celle à valeur impressive le ressenti du personnage- sera en couleurs). Le montage au rythme souvent endiablé entraîne le spectateur de l’une à l’autre parfois sans ménagement : et c’est le premier intérêt de ce film : une fragmentation narrative où  la musique de Ludwig Göransson s'associe à tous les états d’âme du « père de la bombe atomique » : depuis ses rêveries ses cauchemars jusqu’aux « prises de position » -tardives et peut-être opportunistes ??

N’a-t-on pas l’impression d’assister parfois à une sorte d’opéra crépusculaire ? Le véritable enjeu du film (et les questionnements d’Oppenheimer le prouveraient aisément) est bien la dénonciation d’une arme dévastatrice pour l’humanité : le prologue citant le mythe de Prométhée, les mises en garde d’Einstein (rares il est vrai) autant de prémices à une "une histoire faite de questions et dilemmes impossibles, histoire qu’a voulu « mettre en images » le réalisateur, histoire qui nous immerge aussi dans l’époque de la guerre froide, sur fond de maccarthysme …)

Une mention toute particulière au traitement visuel de l’explosion : le film s’ouvre sur des images de « lave en fusion » d’une puissance inégalée, magma aux couleurs violentes que renforce la musique de Ludwig Göransson; démesure (celle de tous les Prométhée des temps modernes ?) mais au moment de l’explosion -le « fameux » essai Trinity- alors que l’on devine le stress de tous les participants en ce jour fatidique du 16 juillet 1945, à Los Alamos-, C Nolan va dissocier lumière et son, une décomposition dans la lumière blanchâtre opalescente ; couleurs désaturées en opposition à la « déflagration » intérieure (l‘épouse peut retirer les draps blancs qui séchaient sur l’étendoir !!)

D’indéniables « qualités » certes (interprétation et casting, traitements visuels, rythme et montage, interrogations sur les monstres créés par l’homme, rôle des USA,  leur hypocrisie, etc.) mais on peut tout aussi bien dénoncer les « failles » de la démarche : un film (très) bavard, des longueurs inutiles -relations avec la maîtresse et le fantasme des corps nus au moment de l’audience est à n’en pas douter de mauvais goût !! -, des plans cut pour la multiplicité des points de vue, fracas sonores, gros plans répétés sur le visage du personnage principal comme pour l’isoler du monde ?

Un professeur conseillait au jeune Oppenheimer de savoir entendre l’algèbre -comme la musique- plutôt que de la lire   

Capturer entendre la matière… que seuls les scientifiques sont à même de « voir » ?(comme l’affirme Kittie l’épouse) serait-ce -mutatis mutandis- le vœu du cinéaste ?

Oppenheimer a battu sa coulpe ….Mais le Mal était irréversible !

Colette Lallement-Duchoze

de Soi Cheang ( 2021 Hong-Kong, Chine)

avec Ka Tung Lam, Yase Liu, Mason Lee, Hiroyuki Ikeuchi

Présenté au Festival de Berlin ainsi qu’à l’Étrange Festival en 2021, ce film vient de sortir sur nos écrans (juillet 2023)

Dans les bas-fonds de Hong-Kong, un flic vétéran et son jeune supérieur doivent faire équipe pour arrêter un tueur qui s’attaque aux femmes, laissant leur main coupée pour seule signature. Quand toutes leurs pistes s’essoufflent, ils décident d’utiliser une jeune délinquante comme appât

Voici un polar à couper le souffle :-sens propre : utilisation somptueuse du noir et blanc, plans larges étonnants, courses effrénées et chutes à répétitions dans un dédale d’ordures de saletés de flaques nauséabondes, visqueuses dont la prégnance délétère est accentuée par la bande-son, jeux de contrastes entre l’imposante verticalité des gratte-ciel de la ville et les rondeurs crépusculaires des bas-fonds -royaumes des trafics en tous genres et des brutalités, pluie incessante qui transforme le bitume, le plastique autant que les visages  …A cela il convient d’ajouter l’éclatement chronologique (le film serait un long flash back) et le jeu d’images « mentales » (Cham par exemple imagine, à partir d’un son ou d’une parole -, des scènes qui vont se succéder rapidement à l’écran ) et l’omniprésence de la violence (même dans les instants de « pause » la mort souveraine s’impose).

Pendant presque deux heures, le spectateur serait « mis à mal »???

Si le réalisateur a recours à des archétypes classiques (le duo de flics, la disparité de leurs méthodes, les milieux interlopes, un tueur en série fétichiste, une vengeance personnelle) il insiste simultanément sur une forme de résilience (et l’actrice incarne avec une maîtrise étonnante cette jeune femme qui veut se « racheter » et qui lutte contre les violences de tous les clans : utilisée comme appât  par les flics, elle est devenue une balance pour les « siens » les trafiquants, elle doit être châtiée) ; le choix de la « fange » des « limbes » s’en trouve pleinement justifié.

« Cham m’a chargé de te dire qu’il était désolé et qu’il te pardonne »

Certes on pourra toujours déplorer d’évidentes insistances voire outrances (la bagarre interminable avec le tueur, les gros plans sur les blessures, l’acharnement dans les humiliations) et des invraisemblances (cf les empreintes découvertes dans les détritus, le flic qui court comme un dératé dans le capharnaüm du cloaque, même en l’absence de ses lunettes) N’empêche !!!  

Limbo, un film à voir !!!

Colette Lallement-Duchoze

de Francisca Alegría  (Chili 2022)

avec Leonor Varela (Cecilia), Mía Maestro (Magdalena), Alfredo Castro (Enrique), Luis Dubó (Victor), Marcial Tagle (Bernardo), Laura Del Rio Rios (Alma), Enzo Ferrada Rosati (Tomas), Benjamin Soto (Pablo),

présenté au festival du film de Sundance 2022 (section word dramatic competition) 

Cecilia, chirurgienne à la ville, doit revenir précipitamment avec ses deux enfants à la ferme familiale où vivent son père et son frère dans le sud du Chili. Au même moment, des dizaines de vaches sont frappées d’un mal mortel et la mère de Cecilia, disparue depuis plusieurs années, réapparaît.

Mêler onirisme et réalisme rural, fable écologiste (et écologique) et portrait intimiste familial, rêverie fantastique et réflexion sur le « futur » de la planète, est un pari à la fois courageux et « casse-pipe » Tout étant dans l’équilibre entre ce qui est dit montré et ce qui est suggéré, soit entre une narration pertinente et crédible et une suggestion « poétique »

Dans le premier long métrage de Francisca Alegria, l’eau omniprésente est déclinée dans TOUTES ses acceptions : principe de Vie mais aussi force impétueuse qui charrie les produits toxiques d’une usine ; élément qui en ses abysses fait se "réconcilier"  Magdalena la revenante et sa fille Cecilia - et le film pourrait se donner à voir et à lire comme une authentique ode à la « maternité »- L’œil de la vache filmé en très gros plan est à la fois  miroir et palimpseste  sur lequel Cecilia, à l’écoute des lamentations animales et prodigue en caresses et murmures, lit à  la fois la douleur du présent et  la "promesse"  d'une "aube nouvelle" (?)  L’ambiance nocturne, les effets des clairs obscurs en intérieur, des masses verdâtres d’où clignote l’étincelle en extérieur, alors que la surface des eaux et de l’humus se ride, ou les effets des ombres portées, (il faut saluer le travail du chef opérateur Inti Briones) , les meuglements de panique torturante ou les voix de la Nature gémissante, chœur antique et chorale moderne  (la musique de Pierre  Desprats illustre l’aspect à la fois sensoriel et mystique de cette « fable »),  tout cela participe à l’atmosphère d’étrangeté; alors que  le message est assez « limpide » : en dénonçant l’hyperactivisme de  puissances industrielles qui bafouent et rompent l’équilibre écologique, la cinéaste revendique une  forme d’écoféminisme ....sur fond de chronique familiale

Mais à force de vouloir trop « montrer » (les manifestations d’écolos, le fils de Cecilia Tomas et le changement de "sexe" , les mâles (le père le frère) coupables de domination patriarcale), à force de courtiser l’irréel (résurrection de la mère Magdelena, hors des eaux boueuses, parallélisme entre elle et la Nature, bafouée exploitée, vaches transfigurées, devenues "le corps exploité du féminin, de la maternité de l’abondance de la Terre") à force d’entremêler systématiquement toutes les thématiques la réalisatrice  aurait-elle cédé aux « sirènes de l’air du temps » ? Usé et abusé du fameux réalisme magique latino-américain… ?

Peut-être !  

Je vous laisse juge

Colette Lallement-Duchoze 

de Hong Sang-Soo (Corée du Sud 2022)

avec Ki Joo-bong, Kim Min-hee, Song Se on-mi, Park Mi-so, Kim Seung-yun, Ha Seong-guk

Présenté au festival de Cannes 2023  Quinzaine des Cinéastes 

Synopsis : Deux conversations en alternance à Séoul : une ancienne actrice est sollicitée par une débutante tandis qu’un vieux poète reçoit un admirateur. Les deux vedettes esquivent les questions existentielles de leur interlocuteur, la première songe à sa récente reconversion et le second bataille avec son sevrage d’alcool et de tabac.
DE NOS JOURS…, à la manière d’un haïku, invite à guetter ce qui importe intimement, ce qui fait le sel, chaque jour, de notre vie.

J'ai rêvé  qu’une fleur  me parlait  (Sungwon  l’ex actrice) 

Deux portraits croisés (une actrice à succès reconvertie dans l’architecture, un poète vieillissant célébré par la jeunesse et qui fait l’objet d’un film documentaire) filmés en une vingtaine de plans, deux récits en alternance, deux conversations apparemment distinctes sur la transmission, mais avec des échos, des points communs ou des effets miroir (les deux appartements, les deux  "apprentis comédiens"  la présence de la guitare, les procédés d’attente, les nouilles pimentées, les questions sur le sens de la vie, les jeux de séduction -terriblement sournois malgré les sourires de circonstance) -

Ainsi d’une séquence à l’autre, d’un appartement à l’autre, d’un trio à l’autre, -et le spectateur est guidé par les informations qui s’affichent en bas de l’écran -encore que parfois il y a discordance entre le texte informatif et la séquence  qui suit…!!, voici des  " situations" qui frappent par leurs  similarités- et comme à l’accoutumée voici une exploration des   "possibilités formelles de la narration cinématographique"  (recadrages, brusques zooms avant, c’est la spécificité du cinéaste sud-coréen). Ici il s’agit de transmission (talent et passion) et alors même que les deux personnages de référence esquiveraient les questions existentielles,  ils s'accordent sur un précepte/principe  "vivre sans se mentir à soi-même", professent un "art de vivre"  de type épicurien , (l'ex actrice est en "post-dépression" et  le poète privé d'alcool et  de tabac peine à respecter son sevrage thérapeutique!!!)  …. Art de vivre teinté d’humour dont témoignent entre autres la séquence du jeu pierre-feu-ciseaux ou le dernier plan avec un zoom avant sur le poète, alors que par-delà sa terrasse s’éploient majestueusement les toits de la ville

J’ai vu de jeunes spectateurs quitter la salle…. Il est vrai que le Verbe est primordial, que le dispositif narratif et scénique à la Rohmer peut dérouter, que les questions apparemment naïves du jeune admirateur  comment on transmet les expériences? « Pensez-vous que la poésie est essentielle à notre époque ?« c’est quoi l’amour ? » ou « c’est quoi le sens de la vie ? et qui suscitent un rire moqueur, participent en fait (à) d’une forme d’autodérision,   

Même si De nos jours est empreint de  drôlerie (cf les contradictions des personnages "consultés") et qu’il déploie une charte du " savoir-vivre",  ce n’est assurément pas (pour moi tout du moins) le film le plus convaincant de ce réalisateur prolifique (cf Ha ha ha, Turning gate, Un jour avec un jour sans, Hotel by the river et surtout le très beau Le jour d’après où le traitement du noir et blanc  était  digne d’une estampe)

Colette Lallement Duchoze