de  Quentin Dupieux (2024)

avec Vincent Lindon (Guillaume)  Raphaêl Quenard (Willy)   Louis Garrel, (David) Léa Seydoux (Florence) Manuel Guillot (Stéphane) 

Festival de Cannes 2024 (Ouverture) 

Florence veut présenter David, l'homme dont elle est amoureuse, à son père. Mais David n'est pas attiré par elle et souhaite s'en débarrasser en la jetant dans les bras de son ami Willy

« On peut se détendre la nouille un peu là ? Non justement elles sont hyper tendues les nouilles (Willy et David)

On n’est plus dans les années 80 là, on s’en branle de ces petites histoires d’amour! (…) On n’est pas sur le Titanic là. Le naufrage, il est mondial! On est tous en train de couler (Guillaume à Florence)

Auteur prolifique Quentin Dupieux l’est assurément: Le deuxième acte est sa troisième création en 10 mois, Et quand la prolixité devient "personnage" (film bavard avoue ironiquement le cinéaste) la prestation des acteurs  doit être exemplaire -pari réussi avec mention spéciale pour Vincent Lindon et Raphaël Quenard

Logorrhée verbale où s’entrechoquent tous les ferments et ingrédients de « problématiques très contemporaines » celles liées à l’industrie cinématographique, à la création, à l’acteur, mais aussi aux tendances négatives de notre société. Et voici que s’invitent -pêle-mêle ?- les ravages de l’IA, la porosité de la frontière entre réalité et fiction, l’homophobie et #MeToo , le carriérisme l’individualisme et l’ego surdimensionné des acteurs, le comportement (b)ovin des individus, dicté en partie par l’omniprésence et l’omnipotence de l’image dans une société voyeuriste (un malheur ? une mort ? clic je l’enregistre dans ma galerie IPad )

Or la critique à peine corrosive met TOUT sur le même plan d’autant que l’absurde, le farfelu ou le fantastique (cf le rat baveur, le pneu psychopathe) ont déserté le plateau (hormis le grotesque d’une salle d’op…)

Saluons en revanche la mécanique -savante- de la construction ; loin de cette  paresse puérile que l'on reproche parfois au cinéaste

Les duos Willy/David et Florence/Guillaume se répondent en miroir -avec les mêmes effets de rupture quand un des protagonistes s’écarte du rôle qu’il doit interpréter, vitupérant la création cinématographique, revendiquant haut et fort son statut d’acteur accompli exigeant ou se lamentant du peu de considération dont il est l’objet ou encore professant des stupidités

La séquence liminaire -une voiture dans une ambiance crépusculaire ou pré-aurorale, un chauffeur en sueur extrême, un restaurant « le deuxième acte » sis dans un lieu improbable- et voici qu'entre en scène ( dans le cadre) le « figurant » dans le « rôle du serveur ; un serveur tétanisé  qui n’en finira pas d’en finir avec ses tremblements (le comique de répétition saturé et saturant dérivant vers le tragique -un faux suicide-) Vilipendé moqué -par les acteurs « prestigieux» - il n’en était pas moins l’élément fédérateur (convergence de tous les protagonistes et d’autres figurants faussement attablés). Leçon ? ? Jouer la comédie est un métier cruel, on peut y laisser sa peau....

Le film n’est que mises en abyme (entendons une mise en abyme d’une mise en abyme) La palme ? Quand Vincent Lindon censé quitter le plateau de la fiction se pare d’une fausse moustache et se grime, avec cet œil/miroir qui  reflète un monde « bien à l’envers » : Être dans le vrai, le prétendu réel, serait-ce changer de « masque » ?

Aux longs travellings du début vont répondre en écho ces rails qui n’en finissent pas d’être filmés ; rails qui auront servi à la fiction, rails qui in fine immergent le spectateur dans l’envers du décor, les coulisses du tournage, circulez il n’y a rien à voir (ou plus rien à voir ?)

Une épate narrative que cette peinture difforme de la réalité ….cinématographique? D’une réalité où « l’illusion d’un ordre est abolie ? La bande annonce -succession rapide des acteurs chacun s’attribuant le rôle phare… sans extraits du film et le dessin de l'affiche  étant censé.es  " guider"  le public

Serez-vous Yannick dans votre appréciation?

Colette Lallement-Duchoze

 De Joao Salaviza et Renée Nader Messora. (Brésil 2022)

Avec· Ilda Patpro krahô Patpro  Francisco hyjnõ krahô, Hyjnõ, Solane tehtikwyj krahô Jotàt, Raene kôtô kraho kôtô, Débora sodré Debora , Luzia Cruwakwyj krahô Crowrãkwyj

Couronné par le prix d’Ensemble au festival de Cannes 2023 Section Un certain regard

A travers les yeux de sa fille, Patpro un membre de la tribu des Karahô, va parcourir trois époques de l’histoire de son peuple indigène, au cœur de la forêt brésilienne. Inlassablement persécutés, mais guidés par leurs rites ancestraux, leur amour de la nature et leur combat pour préserver leur liberté, les Krahô n’ont de cesse d’inventer de nouvelles formes de résistance...

Long poème souvent chanté et dansé, ce film très militant entrelace le document ethnographique, la revendication politique écologique, la reconstitution fictionnelle, avec un mélange de réalisme de naturalisme et d’onirisme.

Le montage a ceci de mystérieux et de convaincant -pour certains- de spécieux- pour d’autres- qu’il met sur le même plan des temporalités et des points de vue différent.es. Trois périodes trois points de vue trois approches. (dont celles du jeune Ilda Patpro Kraho, de Hyjno Kraho et de sa femme Luzia Cruwakwyj Kraho) Et la récurrence du procédé de surimpression (deux plans du même personnage dans le même cadre, l’un immobile l’autre en mouvement) en créant une sorte de dédoublement participe de ce choix

L’ouverture est consacrée à ce chant venu du fond des âges échos feutrés d’antiques cosmogonies et de mythes fondateurs ; une prose poétique à la gloire de Crowrà, la fleur de Buriti (nom que portait la grand-mère d’un chef de village qui enfant avait vu toute sa famille se faire massacrer par les gens des villes et les agriculteurs)  Le film dans son ensemble n’est -il pas une ode psalmodiée avec une perspective animiste (cf l’interpénétration des règnes et des espèces avec des zooms ou des plans rapprochés  sur la cohabitation; mode de vie qui perdure par-delà les époques, mode de pensée qui glorifie forces chtoniennes et cosmos originel) ?

Et quand les mêmes personnages (ceux du présent que filme avec empathie le couple de cinéastes) vont « interpréter » des rôles « historiques » (avec insertion d’images d’archives en noir et blanc) on comprend l’intention des réalisateurs: non pas faire œuvre d’historiens mais chanter la persistance d’un mode de vie singulier qui a dû affronter la cruauté barbare des « prédateurs », ceux qui ont cherché- et cherchent encore-  à s’approprier les terres en massacrant leurs habitants….

Et ce n’est pas pur hasard si à la scène liminaire (douleurs de la parturiente) répond en écho au final la scène de l’accouchement (on entend les voix bienveillantes des femmes avant que l’être nouveau ne s’approprie le sein tutélaire et nourricier) Naissance et survie. Et comme entre temps il y aura eu cette marche à Brasilia, par un effet spéculaire l’accouchement acquiert une dimension plus universelle

Un environnement d’une luxuriance sidérante celui du nord-est de la forêt amazonienne état du Tocantins où vit la tribu Krahô -un groupe d’environ 2000 personnes- contrastant avec les échappées urbaines où les représentants de la communauté vont plaider leur devenir à Brasilia. Car ce film/documentaire met en exergue deux « projets différents pour le monde » soit deux « visions différentes du futur du monde » Si les Krahô ont accepté une forme de « modernisation » (utilisation de portables pour communiquer par exemple) ils militent pour préserver l’environnement, refusant de le laisser saccager en énièmes exploitations agricoles, ils plaident pour l’acceptation de « l’autre » (cf les banderoles et les slogans qui fustigent la politique de l’agronégoce du président Bolsonaro) (à noter ici que depuis le tournage le président Lula a été réélu et qu’une militante dont on a entendu la prise de position à Brasilia a été nommée ministre…)

Voici un feu avec ses braises mais aussi ses volutes de fumée. Horizontalité et verticalité, puissance tellurique et voûte céleste vont se conjuguer dans le rouge et l’évanescent, le rêve et le cauchemar (l’enfant et sa prescience du malheur que la berceuse d’une mère aimante tente de consoler)

Le feu tel un foyer protecteur, le feu et ses dévastations infligées par les tenants du "profit à tout prix" 

Le feu - ouverture et clôture du film – dont les crépitements et l’incandescence font entendre la voix des Anciens …

Lenteur du rythme, beauté sculpturale des êtres humains et des vivants piliers que sont les arbres, somptuosité des couleurs (vert émeraude, ocre brun, rouge vif bleu céruléen) lumières diffractées chants mélopées tout dans ce film  semble renouer avec une des fonctions majeures du cinéma "révéler d'autres mondes" 

A ne pas manquer !

Colette Lallement-Duchoze

de Shinya Tsukamoto  (Japon 2023)

avec Shuri Mirai Moriyama, OgaTsukao, Hiroki Kono3)

Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, le Japon tente péniblement de se relever et de panser ses blessures. Unique survivante de sa famille, une jeune femme passe son temps enfermée dans le bar délabré qui lui sert de refuge. Un jour, elle voit débarquer un petit orphelin chapardeur et un jeune soldat démobilisé. Entre ce trio atypique, un semblant de vie de famille commence à s'installer. Hélas, les traumatismes de la guerre auront tôt fait d'anéantir ce bonheur fugace.

L'ombre du feu ou le théâtre de la cruauté

Le trauma de la Seconde Guerre mondiale est encore prégnant dans l’imaginaire collectif au Japon (message non subliminal) .Le réalisateur, dans ce film de "reconstitution" et dont le titre est un bel oxymore,  dénonce la déshumanisation liée à cette tragédie  à travers le parcours d’un gamin orphelin.

Quelle étrangeté et quelle singularité dans sa façon de filmer! car en alliant lenteur et minimalisme, réalisme et onirisme, l'esthétique peut verser dans l'esthétisme  - Ambiances cuivrées d’un sordide lieu refuge, extérieurs bleutés, cours des miracles pour ces rescapés définitivement fracassés; netteté de certaines images (due au numérique) récurrence de certains procédés (dont la surimpression) , et parfois dolorisme – dû à l’omniprésence de la cruauté, qui envahit le réel le souvenir le rêve et qui peut mettre à rude épreuve le spectateur

La première partie par l’unité de lieu d’action est un huis clos théâtral et claustrophobe : la jeune femme… prostituée seule occupante de ce bar calciné tente provisoirement de « refonder » une famille avec un soldat de passage démobilisé et un orphelin chapardeur ; mais les cauchemars et traumas auront raison de cette éphémère illusion  ( le hors champ reste très prégnant  : ravages de la guerre, bruits détonants et qui détonnent.) Puis le gamin s’émancipant va suivre un « inconnu » avide de vengeance (le pistolet chapardé en sera l’instrument) avant de revenir sur les lieux (la jeune femme atteinte d’une maladie contagieuse, contrainte de survivre dans le « noir » l’accompagne de ses vœux (travailler honnêtement sans « voler » ); le gamin mettra-t-il à profit ces « pieuses » requêtes ? Une toute dernière séquence comme une ouverture ? Or le gros plan sur le visage du commerçant "prédateur" et "exploiteur" dit les ravages du capitalisme ... sauvage !

Restera gravé le visage de ce gamin (Oga Tsukao)

Un enfant au silence si mature!

Au regard magnétique…  substitut de la parole

Son passé ? les cauchemars qui hantent ses nuits…

Son présent ? l’’ombre du feu ?...

Son futur ? une prière comme un flux mémoriel à venir ?

Colette Lallement-Duchoze

Attention dernière séance mardi 14 mai 19h30 salle 8 Omnia

Documentaire réalisé par Mehran Tamedon (France/Suisse 2023)

avec le réalisateur et Zar Amir Ebrahimi

 • Festival de Film de la Villa Médicis • Rome (Italie) • Prix du meilleur film 2023

• Terra di Tutti Film Festival • Bologne (Italie) • Mention spéciale 2023

• FIFAM - Festival International du Film d'Amiens • Amiens (France) • Grand Prix (ex æquo) & Mention spéciale Prix du jury étudiants

Mehran Tamadon vit en France depuis de nombreuses années. À titre expérimental, il demande à des artistes iraniens en exil de l'interroger comme pourrait le faire un agent de la République islamique. L'un d'entre eux, ayant une connaissance directe de ces mauvais traitements, accepte le défi.

Mon dernier film, Iranien, se termine par mon interdiction de retourner en Iran. Avec Mon pire ennemi, je mets en place un dispositif cinématographique, cette fois en France, pour me frayer un chemin de retour en Iran : il s’agit de me prêter au jeu d’un interrogatoire, tel que les autorités iraniennes pourraient me le faire subir. Contrairement au précédent, ce film s’achèvera, je l’espère, par ma liberté de circuler entre mon pays d’origine et le pays où je vis. » (Mehran Tamadon)

Dès le début le réalisateur tel un élève appliqué fait part de son projet, met en place un casting mais se heurte à des fins de non recevoir ou à des essais peu convaincants. C’est alors qu’entre en scène (dans tous les sens de l’expression) l’actrice Zar Amir Ebrahimi

Une maison située dans la banlieue parisienne (délabrée ou du moins vétuste dans sa pseudo modernité avec ses ampoules nues, son mobilier sommaire, son inconfort) sera le décor de « l’entreprise d’avilissement » (c’est ainsi que Sartre définissait la torture dans son essai sur « la situation de l’écrivain »). Et dans les derniers plans du documentaire le vide de cette maison (travellings passage d’une pièce à l’autre) sera forcément habité…

La tortionnaire/bourreau est donc interprétée par l’actrice Zahra Amir Ebrahimi, (prix d’interprétation féminine pour Les nuits de Masshad Cannes 2022) elle-même victime de tortures en Iran …; et le réalisateur interprète son propre rôle de victime, torturé

En l’absence de toute contextualisation, triomphe l’arbitraire. Sadisme savamment calculé (insinuations, invectives, propos comminatoires) mise à nu (sens propre et figuré) pour extorquer des (prétendus) aveux ; glissement perceptible dans la  "destruction de l’humain" ; la victime (par la violence psychologique surtout) perd la "maîtrise" ; aux rires francs puis étouffés succède une apparente capitulation non pas celle de l’aveu (il n’y a rien à avouer) mais celle de la déshumanisation en plein mode opératoire. La tortionnaire semble « jouir » du pouvoir dont elle est investie et pour reprendre les propos de Sartre se châtie dans le corps de sa victime des soupçons et du mépris qu’il(elle) éprouve à l’égard de l’homme et de la foi qu’il(elle) a perdue en sa propre humanité. Et l’actrice n’avouera-t-elle pas avoir ressenti à un moment le pouvoir insidieux de la  contamination … la situation est plus décisive que le caractère des individus (comme si la simulation avait fait émerger ce quelque chose d’enfoui et qui s’apparenterait à des velléités de tortionnaire… à méditer ) !! Les emplacements judicieux de la caméra dans ce huis clos ou à l’extérieur (quand Zar Amir Ebrahimii traîne le « supplicié » presque nu tel un chien dans le froid jusqu’à l’école pour le donner en pâture à ses propres enfants) seront déterminants dans la maîtrise des « jeux » de même les gros plans sur le visage ou les plans rapprochés sur la victime et son bourreau.  Se pose dès lors la question du rapport filmeur-filmé. Est-ce que le réalisateur peut perdre le pouvoir sur son propre film ? (car ici c’est bien l’actrice qui va tout imposer, jusqu'aux révélations troublantes sur son propre  vécu aux dépens de et à l'insu du …réalisateur) Problématique qui induit un autre questionnement a-t-on le droit de faire du mal aux gens pour faire un film ? Rappelons que Mehran Tamedon fut longtemps tiraillé par des problèmes d’ordre éthique (demander à des victimes de rejouer des scènes traumatisantes….) et que « mon pire ennemi » aura mis presque une décennie avant d’être finalisé (second -ou premier- volet du diptyque consacré à  la torture,  avec Là où Dieu n’est pas) “

Au-delà de la "simulation" (un mécanisme propre au cinéma expérimental) c’est moins la tentative de dissection de la torture au sein d’interrogatoires idéologiques qui hantera l’esprit du spectateur que cette mise en abyme (deux « artistes »,   deux êtres humains victimes de …les « aveux » de l’actrice, les enlacements n’en seront que plus déchirants)

A voir c’est une évidence !

Colette Lallement-Duchoze

De Baptiste Debraux (2023)

avec Léa Drucker, Bastien Bouillon, Pierre  Lottin

Rochebrune est au bord du chaos. Johnny, leader du mouvement de protestation de la ville, a disparu après avoir braqué un fourgon. Lorsque Paul Ligre apprend la nouvelle, il quitte précipitamment Paris et revient dans la ville qui l'a vu grandir pour retrouver son ami d'enfance avant la police. Seulement, l'enquête d'Anna Radoszewski la mène inéluctablement vers le secret qui unit Paul et Johnny.

Entremêler enquête policière et luttes ouvrières, enchâsser plusieurs temporalités, en privilégiant une histoire d’amitié, voilà qui n’a rien d’original, le tout étant (il est bon parfois de rappeler certains truismes) dans la façon de filmer (rythme, montage ,cadrages,  etc..)  Or l’opposition (très, trop) marquée entre une enquête au rythme ralenti (et la rigidité de l’actrice concourt à cette apparente placidité) et la fougue des " retrouvailles " (Paul à la recherche  du "frère" blessé disparu, Paul à la recherche d'un temps "perdu"? à reconquérir (?)  ...)   mobilisation ouvrière et  intrépidité (malgré quelques querelles intestines) ne sauraient à elles seules illustrer un aspect bancal assez déplorable. Dès les premiers plans (forêt et brouillard, vues aériennes sur une route sinueuse telle une saignée ; très gros plan sur le  " fugitif"  torturé par la douleur, momentanément arrêté dans sa "course" ,  sur la rambarde d’un pont avant d’être happé par l’élément liquide (?) tout -même ce prétendu ancrage dans un territoire-  sonne faux (ce qu’accentue la musique illustrative assez envahissante)

Si la littérature a scellé une amitié indéfectible entre Johnny et Paul (l’île au trésor,  de Stevenson) deux gamins issus de milieux sociaux opposés, s’ils construisent sur leur île un bastion forteresse, témoin et gage de…, cette même littérature subit des dévaluations répétées (fierté dubitative de parents "ah tu es devenu écrivain"  , ébaubissement  de Charlène, sollicitée par le « bon sens » et les « intuitions » de Léa Drucker en charge de l’enquête, intuition qui s’interrogeant sur la créativité aborde de façon biaisée docu et fiction, autofiction ; de même le « statut » de l’auteur, contraint de  pratiquer moult métiers pour « survivre » est mentionné au détour d’un échange entre Paul et Charlène ; la notion de « transfuge de classe » d’abord inversée sera comme réhabilitée par les choix assumés de Paul! )

Certes le trio s’en sort honorablement (étonnant Bastien Bouillon dans ses courses effrénées, mutisme réfléchi de Léa Drucker dont le visage est souvent filmé en gros plan, rôle charismatique assumé par Pierre Lottin en Robin des Bois ou fils éploré portant sa mère telle une Pietà inversée).

Mais que d’invraisemblances ! Que de passages racoleurs (une prise de bec au bar et des propos machistes, un tabassage et surtout le misérabilisme) Que de formules clichés et clivantes manichéennes sur les « bons » et les « méchants » formules désincarnées car souvent récitées.  Et ces fréquents allers et retours entre un passé lointain ou proche et le moment présent !! si, d’un point de vue purement « dramatique » ces flash-back  sont censés justifier l’indéfectibilité d’une amitié, d’un point de vue « narratif » ils sont souvent plaqués artificiellement  

Et que dire de ce silence mensonger qui met fin à l’enquête…  préserver le(s) secret(s) d’une Amitié (?)

Et  de ce « portrait » de Johnny en Che ardennais,  flottant  au vent pour l’éternité !

Décevant !

Colette Lallement-Duchoze