De Jonas Carpignano (Italie) 

Avec Pio Amato, Koudous Seihon, Iolanda Amato

Pio a 14 ans et veut grandir vite. Comme son grand frère Cosimo, il boit, fume et apprend l’art des petites arnaques de la rue. Et le jour où Cosimo n’est plus en mesure de veiller sur la famille, Pio va devoir prendre sa place. Mais ce rôle trop lourd pour lui, va vite le dépasser et le mettre face à un choix déchirant.

Tourné à Gioia Tauro (Calabre) en  caméra portée le plus souvent, avec des acteurs non professionnels ; -ils interprètent en fait leur propre rôle, celui d’une famille rom condamnée à la précarité à cause de son oisiveté et qui survit « grâce » à la  délinquance…- le film A Ciambra est plus un récit initiatique -  illustrant le rite du passage de l’enfance à l’âge adulte- qu’un documentaire. En effet, le réalisateur s’intéresse surtout à Pio (il est d’ailleurs de tous les plans) un adolescent entre deux âges qui rêve d’être un caïd comme son frère Cosimo et qui se lie d’amitié avec un Burkinabé réfugié clandestin (lequel  incarne une certaine morale) -Et là on comprendra vite que le sort des "Africains" est cruel, victimes eux-mêmes de l’ostracisme des rom!!

Ce qui frappe d’emblée c’est une effervescence frénétique soutenue par la musique de Dan Romer. Oui un film décapant. Oui un film sans complaisance. Oui les traditions (rôle dévolu à la  mère, code d'honneur) sont la spécificité de la communauté.  Alors on fera abstraction de certaines redondances (scènes du train, motos qui pétaradent) ou lourdeurs (repas tablées), voire de clichés qui frisent la caricature (la séquence un peu longue avec le "parvenu" , un mafieux gitan, par exemple)

Un homme vu de dos avance lentement vers son cheval ; ambiance crépusculaire ; ellipse ; gros plan sur sa main qui caresse amoureusement la crinière ; puis plan moyen sur le même personnage qui mange assis sur une pierre de fortune un repas frugal, au bord du campement. C’était le prologue…

L’imaginaire (fantôme d’un autre âge, présence du cheval) s’en viendra par trois fois rompre et le rythme trépidant et la dureté du réel. Ne  serait-ce pas aussi la vision d’une génération à jamais disparue ???

Colette Lallement-Duchoze

De Philippe Van Leeuw

Avec Hiam Abbass, Diamand Bou Abboud, Juliette Navis 

prix: Valois du Public au Festival d’Angoulême

Dans la Syrie en guerre, d'innombrables familles sont restées piégées par les bombardements. Parmi elles, une mère et ses enfants tiennent bon, cachés dans leur appartement. Courageusement, ils s’organisent au jour le jour pour continuer à vivre malgré les pénuries et le danger, et par solidarité, recueillent un couple de voisins et son nouveau-né. Tiraillés entre fuir et rester ils font chaque jour face en gardant espoir.

Écran noir. Bande-son : déflagrations (bombes ? mitraillettes?). On est averti. Et dès les premiers plans (dont un prolongé sur le visage d’un vieillard vu de face, dans l’embrasure d’une fenêtre, scrutant l’extérieur; lents travellings sur la bibliothèque, les canapés, les buffets d’un appartement) on sait que tout va se passer à huis clos ; et l’on sera enfermé avec cette famille syrienne confinée dans un appartement en quête de survie. L’extérieur -les combats- restera  hors champ

Comment rendre tangibles, palpables la claustration et la peur ? Caméra à l’épaule, le réalisateur filme les déplacements de ses personnages dans cet intérieur comme sur une scène de théâtre ; pris isolément, en duos ou en groupe ils vont se figer ou se terrer dans la cuisine, quand retentit le feu ou le martèlement de pas à l’étage supérieur ou dans la cage d’escalier. Dans cet enfer, la mère (admirable Hiam Abbass) tente d’organiser le désordre, d’imposer un "semblant" de Vie (rituel de la toilette, du repas ; même s’il y a pénurie d’eau…).

Son entêtement à vouloir rester dans un immeuble déserté par tous les autres occupants -et qui est devenu la cible des pillards, n’est pas la preuve d’un déni du réel. Le réalisateur montre avec subtilité ce que l’oppression et l’effroi peuvent engendrer chez les êtres humains (ici une foi inébranlable en la Vie) . Et de toute façon, partir ne serait-ce pas déserter ? Partir oui, mais pour aller Où ?? La même femme est capable au nom de l’intérêt général, de "sacrifier" une personne (en l’occurrence la voisine Halima qu’elle avait recueillie) -et la scène de viol imaginée par la famille cloîtrée derrière la porte et simultanément vécue par la victime dans la chambre est comme l’acmé de ce film. Le silence refoulé, les regards accusateurs sont plus éloquents que les cris de douleur….Théâtre de la guerre ; théâtre intérieur, théâtre de la cruauté!

On pourra  reprocher des insistances inutiles (les gros plans sur Halima présentée telle une madone) ou des métaphores appuyées (rôle de la table, des objets, des rideaux). Mais globalement le film (tourné dans un appartement à Beyrouth) a su mettre en évidence un aspect sordide de la guerre, de toute guerre : des civils en état de siège -dont le huis clos est la métaphore. Une telle dénonciation de la guerre est plus efficace que les "images" de dévastation dont nous abreuve la presse, sans discernement !

Passé dépassé ? Présent déserté ? On ne saura pas ce que le regard du grand-père (dernier plan du film en écho à un des premiers) a entrevu après cette journée d’enfermement (réminiscences telles de discrets fantômes ? Méditation sur une mort annoncée ?)

"laisse le monde dehors il ne vaut plus rien"

Colette Lallement-Duchoze

 De Fellipe Barbosa

Avec João Pedro Zappa, Caroline Abras, Alex Alembe 

Semaine de la Critique Cannes 2017 : Prix Révélation France 4, Prix Fondation Gan à la Diffusion

Avant d'intégrer une prestigieuse université américaine, Gabriel Buchmann décide de partir un an faire le tour du monde. Après dix mois de voyage et d'immersion au cœur de nombreux pays, son idéalisme en bandoulière, il rejoint le Kenya, bien décidé à découvrir le continent africain. Jusqu'à gravir le Mont Mulanje au Malawi, sa dernière destination.

De Robin Campillo 

avec Nathuel Perez Biscayart, Arnaud Valois, Adèle Haenel

Grand Prix Festival de Cannes 2017

Les années 90. Alors que le sida tue depuis 10 ans, les militants d'Act-Up Paris multiplient les actions pour lutter contre l'indifférence générale. Nouveau venu dans le groupe, Nathan est touché par la radicalité de Sean qui consume ses dernières forces dans l'action...

"120 battements par minute" ou l’histoire d’Act-Up Paris dans les cinq premières années de son existence, avec ses militants, son organisation, ses actions, ses morts ? Un militantisme radical transgressif et novateur tout à la fois ?. Certes. Mais Robin Campillo s’intéresse surtout à ces personnages dévorés par le virus, abandonnés par les pouvoirs publics mais dont les pulsions de Vie sont étonnantes -le cas de Sean est exemplaire. Et sa "fiction" (qui puise dans son vécu) obéit à cette dynamique interne qui va du général (réunions hebdomadaires, discussions, manifestations offensives, soirées en boîte, recours au montage parallèle souvent) au particulier (enchevêtrement lascif de deux corps, flash-back, surimpression, jusqu’à cette mise au tombeau quasi liturgique en présence de la mère…) et vice-versa;  il en va de même pour le rythme : soutenu ou ralenti.

Eros et Thanatos ; Thanatos et Eros

Car les 120 battements par minute sont ceux du coeur, de l’amour et de la Vie tout à la fois, en harmonie avec le tempo de la house music (celle précisément qui est née dans les communautés gay et afro-américaines de Chicago)

La Seine s’est métamorphosée en un long ruban rouge qui sinue à travers la capitale (le rêve d’Act-Up s’est incarné à l’écran) ; l’étudiant en histoire conscient de l’imminence de sa mort récite un passage de l’Éducation sentimentale (Révolution de 1848) voix off alors que nous voyons sur l’écran une manifestation des militants d’Act -Up (continuum dans l’insurrection ? )

Maîtrise des cadrages, des raccords, des changements de rythme (le réalisateur est aussi monteur et scénariste), sens de la dramaturgie, séquences "chorégraphiées", tout cela à partir d’un questionnement sur des problèmes d’actualité, telle est bien "la marque" (sens aiguisé de l'écriture) de Robin Campillo (cf aussi l’excellent Eastern boys)

Bien plus son empathie pour tous ses personnages (filmés, quand ils sont isolés, en plans serrés) est désormais la nôtre! 

Colette Lallement-Duchoze

On peut penser que le film est un hommage aux gens qui sont morts; mais c'est aussi un hommage à ceux qui ont survécu et qui tiennent encore aujourd'hui et auxquels je pense énormément ce soir, qui ont toujours des traitements lourds et sont dans des situations précaires, parce que lorsqu’ils étaient militants, ils ont mis leur vie entre parenthèses (ainsi s'exprimait le réalisateur sur la scène du Palais du festival en recevant sa récompense)

De Rodrigo Sorogoyen  (Espagne 2016)

Avec Antonio de la Torre, Roberto Alamo, Javier Pereira 

Madrid, été 2011. La ville, plongée en pleine crise économique, est confrontée à l’émergence du mouvement des « indignés » et à la visite imminente du Pape Benoît  XVI. Dans ce contexte tendu, deux policiers sont chargés de l‘enquête sur un serial killer….assez particulier

On s’extasie -non sans raison- devant la qualité, la vitalité du film policier espagnol….incluant que dios nos perdone 

Mais le film de Rodrigo Sorogoyen n’a pas l’envergure des deux films de Rodriguez (la isla minima, l’homme aux mille visages) ni l’ingéniosité de la colère d’un homme patient de Raùl Arévalo

Certes les personnages sont aussi -sinon plus- importants- que l’intrigue. Que le duo de policiers que tout semble opposer soit aussi « taré » que le criminel recherché, est devenu un classique du genre. L’un Alfaro une brute épaisse -mais efficace- l’autre Velarde, apparemment plus réservé desservi par son bégaiement cache en fait des pulsions de violence… Le "tueur"- dont l’identité est dévoilée bien avant la fin du film- illustre une psychopathie lourdement "expliquée" (relation à la mère, assouvissement de l’inceste gérontophile, le délire oedipien dans tous ses états…). Les trois partagent une "frustration sexuelle"  (d'où le questionnement sur la virilité...)

Que la hiérarchie tienne à "minimiser" pour la presse la violence des faits (les vieilles ne sont pas violées mais meurent suite à une chute ou une crise cardiaque), quoi de plus "banal" dans une société très catholique -et qui de surcroît attend cet été là la visite du pape Benoît XVI  Le titre renvoie d’ailleurs à la religion catholique -dont la prégnance est illustrée par des images presque sulpiciennes..-

Mais il y a dans ce film une sorte d’éparpillement malgré le choix d’un tempo qui fait alterner rythme fou ou saccadé et moments d’intimité et malgré la récurrence d’un thème musical.  Bien plus l’atmosphère de torridité (température et climat social politique religieux) n’est qu’un prétexte, car elle n’est pas exploitée. La ville elle-même aurait pu devenir personnage à part entière. Une vue en plongée sur la place que ce matin-là on "nettoie", ouvre le film ; en écho Alvaro perché sur le toit d’un camion scrute la foule -après une course poursuite dans les rues ; des ruelles labyrinthiques où l’on se perd caméra à l’épaule ou des rues bondées, des vieux appartements madrilènes etc... Or tout cela semble "plaqué" comme  simple décorum

Cela étant, les trois acteurs principaux sont "formidables" (rappelons qu’Antonio de la Torre interprétait Rodrigo, père de famille taciturne dans la isla minima et José "vengeur" placide dans la colère d’un homme patient)

Colette Lallement-Duchoze