De Giorgi Shengelaya (Géorgie) 1969 

avec Avtandi Varazi 

Film présenté au   festival "à l'Est du nouveau" à Rouen (Fokus sur la Géorgie) 

En évoquant la vie et l'oeuvre du peintre naïf Niko Pirosmanichvili dit Pirosmani (1862-1918) le réalisateur Giorgi Shengelaya (né en 1937)  nous invite plutôt à une sorte de promenade dans son univers. Refusant la linéarité chronologique, il traite la plupart des séquences à la manière de......Pirosmani ...tout en donnant le primat à la vison intérieure du peintre.

Non pas animer un tableau -le rendre vivant en extirpant les personnages figés sur la toile, comme le feraient  ou l'ont fait  certains réalisateurs de biopic- Mais le cadre cinématographique  est comme un tableau indépendant avec une perspective écrasée -une des caractéristiques de l’art naïf- ;des couleurs en aplats ; des personnages filmés en frontal ou de profil ; un travail sur la (les) lumière(s) que ce soit en extérieur ou intérieur . Puis mettre en parallèle une toile du peintre …qui l'a inspiré!  Ou  la démarche inverse : montrer d'abord un tableau  puis filmer une scène qui donne vie au sujet traité par le peintre (scènes campagnardes et festives, costumes aux couleurs vives par exemple)

Ainsi se superposent deux univers (pictural et cinématographique) 

Ainsi à la vie au quotidien dans Tiflis ou à la campagne à la fin du XIX° siècle, répond en écho la vie intérieure du peintre

Un film circulaire : alors que défile le générique et que résonne, religieuse,  une musique d’orgue voici en "toile" de fond une peinture : un paysage, des personnages sur une sente, une église ; c’est le prologue ; en écho à la fin le même tableau ; louange mélancolique au peintre ?

Ce film n’est pas seulement un hommage "formel"  (une sorte de  poème pictural) il s’interroge aussi sur la liberté créatrice, sur le sort dévolu à celui qui la revendique !! Pirosmani serait moins un peintre maudit qu’un individu condamné à l’errance et la marginalisation par son refus réitéré de se plier à… n’importe quel carcan !!!

Deux peintres que nous rencontrons au début dans une taverne vont tenter de faire une exposition de ces toiles qu’ils apprécient ! Mais c’est la critique officielle qui  méprise l'oeuvre de Pirosmani et celui-ci retombe dans l’oubli ...jusqu’à une  mort prématurée dans le dénuement le plus total.

Ironie du sort ou prémonition ? c’est la fête, on s’embrasse plusieurs fois sur les joues, on rit en pleine lumière, on chante, c’est Pâques….Pâques la fête de la Résurrection ? L’ultime œuvre de Pirosmani est cette toile que nous découvrons par un travelling latéral, une cartographie narrative où la lumière franche exalte l’amour de la Vie..

On pourra dénoncer (et j’en suis) le systématisme du procédé, et préférer l’univers de Paradjanov (Giorgi Shengelaya  a d’ailleurs joué dans Sayat Nova...);  ce qui  ne remet pas en cause la beauté  visuelle du film 

Colette Lallement-Duchoze

De Woody Allen USA

Avec Kate Winslet, James Belushi, Justin Timberlake

Les trajectoires de quatre personnages dans l'effervescence du parc d'attraction de Coney Island, dans les années 50: Ginny, ex-actrice lunatique reconvertie serveuse; Humpty, opérateur de manège marié à Ginny; Mickey séduisant maître-nageur aspirant à devenir dramaturge et Carolina fille de Humpty longtemps disparue de la circulation qui se réfugie chez son père pour fuir les gangsters à ses trousses 

Woody Allen vieillirait donc comme tout le monde ?

Il semble cette fois en pure perte de vitesse. Wonder Wheel  a été un fiasco relatif aux USA pour les raisons médiatiques que l’on connaît par rapport aux accusations de viol portées contre lui.

Je doute qu’en France Wonder Wheel ait un grand succès auprès des cinéphiles-fans habituels car cinématographiquement parlant c’est un petit film.

Le scénario est réduit au minimum, les scènes sont téléphonées, pas de rebondissements, pas de séquences drôles non plus hélas ! – c’est pourtant ce qu’on savourait le plus chez lui - .

Notre réalisateur bien aimé est en manque d’inspiration flagrante, il aurait pu développer quelques séquences riches d’humour : la psychiatre et le gamin pyromane lui tendaient les bras pour cela, on reste sur sa faim.

En dehors de sa technique rompue aux mouvements de caméra fluides et à la très bonne direction d’actrice sur la personne de Kate Winslet qui porte le film à elle seule, on se demande pourquoi Woody a fait ce film, en définitive, sans intérêt.

Serge Diaz

Film français belge et italien d'Andrea Pallaoro

Avec Charlotte Rampling, André Wilms, S. Van Vyve

 Coupe Volpi de la meilleure actrice au festival de Venise 2017 

Entre le soudain emprisonnement de son mari, des enfants qui ne veulent plus la voir et un métier de femme de ménage qui l'ennuie, Hannah tombe peu à peu dans l'isolement ...

De  Martin McDonagh

Avec Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell 

Après des mois sans que l'enquête sur la mort de sa fille ait avancé, Mildred Hayes prend les choses en main, affichant un message controversé visant le très respecté chef de la police sur trois grands panneaux à l’entrée de leur ville.

 Violée pendant qu’elle agonisait il y a plusieurs mois/ Toujours pas la moindre arrestation/ Pourquoi, shérif Willoughby ?

Voilà ce qu’inscrit Mildred Hayes sur trois panneaux publicitaires -loués à l'année- en énormes caractères à l'encre noire sur fond carmin....C'est qu'il faut  alerter non seulement la police mais aussi les médias et toute la communauté.

Début des hostilités puis montée paroxystique de la vengeance de l’entêtement dans une folie monomaniaque jusqu’à cette fin suspendue (la Grâce ? …)

Et simultanément ce sera pour le réalisateur le plaisir d’entraîner son public dans les coulisses d’un théâtre, celui de l’Amérique du Missouri où tout semble à la fois caricatural et humain, grotesque et tendre (Dixon un flic pervers anti-noir anti-gay anti-roux au QI limité n’est pas un personnage figé; il évoluera ...vers ...la rédemption??)

Le film a d'ailleurs obtenu par deux fois le prix du meilleur scénario (Mostra de Venise et Golden Globes) 

Le corps sanglé  dans une  salopette (à l'instar des militaires) et les cheveux dans un  bandana, un visage déterminé, des paroles cinglantes à vous clouer le bec, Frances McDormand incarne cette mère rongée à la fois par la culpabilité (cf l’unique flash back) et la soif de vengeance ; elle est ou plutôt deviendra enragée (elle  a obtenu le prix de la meilleure actrice aux Golden Globes janvier 2018)

Le film alterne tensions et retombées (cf colère du couple interrompue par l’intrusion de la nouvelle petite amie du père ; blague sur les céréales et...couteau porté à la gorge, on pourrait multiplier les exemples) et cette alternance crée un certain tempo qu’agrémente la musique country ; la truculence de certains dialogues  (cf."si on virait tous les flics vaguement racistes, il n'en resterait plus que trois qui n'aiment pas les pédés")  provoque un rire "franc" et le trio ainsi que  les personnages dits secondaires -dont le nain tutélaire ou la mère alcoolique de Dixon- jouent efficacement leur partition.

Quant à la trame narrative, si le réalisateur  s’empare de stéréotypes ce serait  pour mieux les dépasser  en refusant le manichéisme, et s'il emprunte des chemins de traverse (entraînant le spectateur dans de "fausses" directions ou de "fausses" pistes dont celle du "faux" tueur) ce serait pour illustrer la complexité de l’être humain... Pourquoi pas ?

Et pourtant ! Si le tout début était prometteur : ensemble militons pour que le viol ne soit plus impuni, très vite le film bascule dans un genre de mélo qui frappe par ses  outrances faciles, ses digressions inutiles ou bavardes et par une "morale" simpliste égrenée tel un bréviaire dans les lettres écrites par Willoughby avant sa mort…"il suffirait de renoncer à la colère pour vivre dans l’harmonie"...

Non! On n'est  pas dans le sillage des frères Coen -auxquels pourtant Martin McDonagh veut rendre hommage...

Colette Lallement-Duchoze

 de Naomi Kawase Japon

Avec Masatoshi Nagase, Ayame Misaki.

Présenté en Sélection Officielle Cannes 2017

 Misako aime décrire les objets, les sentiments et le monde qui l’entoure. Son métier d’audio-descriptrice de films, c’est toute sa vie. Lors d’une projection, elle rencontre un célèbre photographe dont la vue se détériore irrémédiablement. Naissent alors des sentiments forts entre un homme qui perd la lumière et une femme qui la poursuit.

Un groupe de non ou mal voyants "travaille" avec Misako audio-descriptrice; on s’interroge sur la pertinence des mots utilisés pour capter l’intérêt et susciter l’émotion…savoir être précis sans être réducteur -d’autant que le commentaire est destiné à un public qui a forcément un autre ressenti de l’image...Quels seraient les "mots justes" pour commenter cette scène où le vieil homme filmé de dos gravit une colline vers le soleil ? Tout dire ou non ? Et selon quels critères ?.Quid de l’imagination de l’auditeur ? Car c’est par les "mots" (et Misako en dehors de son travail décrit tout ce qu’elle voit quand elle marche) que l’on peut capter la réalité tout en ayant conscience de leur impuissance, tout en sachant que le mot n’est pas la "chose" nommée  ni le sentiment éprouvé. Par le biais de cet atelier, la réalisatrice pose la question fondamentale de la création cinématographique (perception du réel et capacité à susciter des émotions)

Misako aime son métier et accepte avec humilité ou réticence les remarques plus ou moins désobligeantes des intervenants. Celles de Nakomari un célèbre photographe qui l'accuse d'imposer un seul point de vue. Lui qui a passé sa vie à capter la lumière et ses diffractions, à créer des ambiances, à entraîner le spectateur au-delà du cadre et donc de l’image, va perdre irrémédiablement la vue suite à une maladie et la cécité qui opacifie le réel  va détruire inexorablement le "sens" de cette vie » (mon appareil c’est "mon coeur" clame-t-il près avoir récupéré, non sans violence, son Rolleiflex)

Dès lors le film s’oriente vers une sorte de chorégraphie de lumières et d’ombres (au symbolisme parfois appuyé) alors que les deux protagonistes se cherchent et s’apprivoisent.

Filmés de très près ou en très gros plans comme si la caméra se faisait tactile, (et le toucher est très signifiant dans ce film) ils incarnent tous les questionnements chers à la cinéaste : parole et silence, présent et passé revisité, vie et mort, perte inexorable de l’enfance, lumière et mystères, nature panthéiste (voir la scène où Misako -elle a failli s’embourber…- rejoint sa mère.dans les arcanes d’une forêt qui mêle en des réseaux inextricables et foisonnants le souvenir du père, l’attente d’un futur que le passé révolu a pourtant absorbé, la projection vers cet ailleurs qui célèbre les noces de la mer et du soleil)

Le titre français suggérait -avec l’emploi de la préposition "vers"- un cheminement. Ibrahim Maalouf qui a composé la musique résume ainsi le symbolisme Quand tu es au fond du fond il y a toujours une lumière qui revient 

Vers la lumière ou  la  mise en abyme du cinéma de Naomi Kawase ?

Colette Lallement-Duchoze